Casa de la Imagen

Centro de cultura audiovisual en Logroño. Galería, escuela de fotografía y vídeo, editorial...

Cien años de soledad

Decidió refugiarse en aquel rincón del mundo todavía no descubierto por la muerte, dedicada a la explotación de un laboratorio de daguerrotipia. José Arcadio Buendía no había oído hablar nunca de ese invento. Pero cuando se vio a sí mismo y a toda su familia plasmadas en una edad eterna sobre una lámina de metal tornasol, se quedó mudo de estupor. De esa época databa el oxidado daguerrotipo en el que apareció José Arcadio Buendía con el pelo erizada y ceniciento, el acartonada cuello de la camisa prendido con un botón de cobre, y una expresión de solemnidad asombrada, y que Úrsula describía muerta de risa como «un general asustado. En verdad, José Arcadio Buendía estaba asustado la diáfana mañana de diciembre en que le hicieron el daguerrotipo, porque pensaba que la gente se iba gastando poca a poca a medida que su imagen pasaba a las placas metálicas. Por una curiosa inversión de la costumbre, fue Úrsula quien le sacó aquella idea de la cabeza, como fue también ella quien olvidó sus antiguos resquemores y decidió que Melquíades se quedara viviendo en la casa, aunque nunca permitió que le hicieran un daguerrotipo porque (según sus propias palabras textuales) no quería quedar para burla de sus nietos. Aquella mañana vistió a los niños con sus rapas mejores, les empolvó la cara y les dio una cucharada de jarabe de tuétano a cada uno para que pudieran permanecer absolutamente inmóviles durante casi das minutos frente a la aparatosa cámara de Melquíades. En el daguerrotipo familiar, el único que existió jamás, Aureliano apareció vestido de terciopelo negra, entre Amaranta y Rebeca. Tenía la misma languidez y la misma mirada clarividente que había de tener años más tarde frente al pelotón de fusilamiento. Pero aún no había sentido la premonición de su destino. Era un orfebre experto, estimado en toda la ciénaga por el preciosismo de su trabajo. En el taller que compartía con el disparatado laboratorio de Melquíades, apenas si se le oía respirar. Parecía refugiado en otro tiempo, mientras su padre y el gitano interpretaban a gritos las predicciones de Nostradamus, entre un estrépito de frascos y cubetas, y el desastre de los ácidos derramados y el bromuro de plata perdido por los codazos y traspiés que daban a cada instante.

TAL DÍA COMO HOY

El 16 de abril de 1828 fallecía don Francisco de Goya y Lucientes sin llegar a ver ese curioso invento llamado fotografía, pero no desconocía ni la cámara oscura ni el precine. 
El tutilimundi, mundinovi o mundonuevo (del italiano tutti il mundi) es un cosmorama portátil, cámara oscura dentro de la cual se ven aumentadas figuras en movimiento. Todo ello es una derivación de la linterna mágica, aparato precursor del cine inventado por Athanasius Kircher en 1654, que proyecta las imágenes que contiene.
El tutilimundi no proyecta: se mira dentro de él. Goya era un experto en el fenómeno de la cámara oscura, según Leandro Fernández de Moratín, que escribió a su prima María en 1817: “Si te intento explicar cómo funciona la cámara oscura, pierdo el tiempo. La manera más fácil es que te lo explique Francisco de Goya”. La cámara oscura se usa frecuentemente como ayuda para el dibujo.
En la época de Goya era muy célebre el tutilimundi. Y cuando el aragonés pintaba lo que le daba la gana, a veces era un gran humorista. El chiste que ilustra este texto da buena fe de ello. Un cosmorama portátil, con su dueño detrás, es observado detenidamente por un varón, tan desharrapado que su culo queda al descubierto. A su lado, una mujer se tiende en el suelo para observar con regocijo las posaderas del individuo. Todo un mundinovi.
Tuti li mundi. Francisco de Goya. Álbum C, 71. Pluma, pincel y aguada, tinta parda; lápiz negro. Nueva York, The Hispanic Society of America.

TAL DÍA COMO HOY

El 16 de abril de 1828 fallecía don Francisco de Goya y Lucientes sin llegar a ver ese curioso invento llamado fotografía, pero no desconocía ni la cámara oscura ni el precine. 

El tutilimundi, mundinovi o mundonuevo (del italiano tutti il mundi) es un cosmorama portátil, cámara oscura dentro de la cual se ven aumentadas figuras en movimiento. Todo ello es una derivación de la linterna mágica, aparato precursor del cine inventado por Athanasius Kircher en 1654, que proyecta las imágenes que contiene.

El tutilimundi no proyecta: se mira dentro de él. Goya era un experto en el fenómeno de la cámara oscura, según Leandro Fernández de Moratín, que escribió a su prima María en 1817: “Si te intento explicar cómo funciona la cámara oscura, pierdo el tiempo. La manera más fácil es que te lo explique Francisco de Goya”. La cámara oscura se usa frecuentemente como ayuda para el dibujo.

En la época de Goya era muy célebre el tutilimundi. Y cuando el aragonés pintaba lo que le daba la gana, a veces era un gran humorista. El chiste que ilustra este texto da buena fe de ello. Un cosmorama portátil, con su dueño detrás, es observado detenidamente por un varón, tan desharrapado que su culo queda al descubierto. A su lado, una mujer se tiende en el suelo para observar con regocijo las posaderas del individuo. Todo un mundinovi.

Tuti li mundi. Francisco de Goya. Álbum C, 71. Pluma, pincel y aguada, tinta parda; lápiz negro. Nueva York, The Hispanic Society of America.

TAL DÍA COMO HOY

14 de abril de 1931, Eibar.
Eibar fue la primera ciudad en alzar la bandera tricolor, la madrugada del martes 14 de abril de 1931, a las seis y media de la mañana. La corporación municipal recién elegida en las elecciones del domingo (10 concejales socialistas, 8 republicanos y 1 del PNV) proclamó en Eibar la Segunda República. La bandera tricolor fue izada por el concejal más joven de la recién elegida corporación, Mateo Careaga, que era militante de Acción Republicana. Este hecho suponía una profunda transformación de la distribución del poder ya que por primera vez accedieron a él las clases medias y los trabajadores. Cuando se confirmó la proclamación en Barcelona, el pueblo se concentró frente al ayuntamiento para retirar la placa con el nombre de Plaza de Alfonso XIII y colocar la nueva placa de Plaza de la República, improvisada en cartón.
El escritor eibarrés Toribio Echeverría redacta, en su libro Viaje por el país de los recuerdos la proclamación de la Segunda República en Eibar de esta forma:
…y antes de las seis de la mañana habíase congregado el pueblo en la plaza que se iba a llamar de la República, y los concejales electos del domingo, por su parte, habiéndose presentado en la Casa Consistorial con la intención de hacer valer su investidura desde aquel instante, se constituyeron en sesión solemne, acordando por unanimidad proclamar la República. Acto seguido fue izada la bandera tricolor en el balcón central del ayuntamiento, y Juan de los Toyos dio cuenta desde él al pueblo congregado, que a partir de aquella hora los españoles estábamos viviendo en República.
El 3 de mayo la acción de la proclamación republicana que había convertido a Eibar en el punto de partida para el resto de España sirvió para que se oficializara, con la asistencia de importantes personalidades políticas, sociales y culturales el cambio del título de noble y leal villa por el de Muy Ejemplar Ciudad.
Eibar recibe título Muy Ejemplar Ciudad por la valentía y arrojo mostrados por sus ciudadanos al ser la primera ciudad en proclamar la II república. Al acto institucional, celebrado ayer, día 3 de mayo de 1931, en la majestuosa casa consistorial eibarresa, acudieron ilustres personalidades de la vida política y cultural, destacando los señores D. Indalecio Prieto, Ministro de Hacienda, D. Miguel de Unamuno, presidente del Consejo de Instrucción Pública, y el capitán general de la primera región militar Queipo de Llano. Presidió la entrega del título el excelentísimo alcalde D. Alejandro Tellería. (Fuente: Wikipedia)

TAL DÍA COMO HOY

14 de abril de 1931, Eibar.

Eibar fue la primera ciudad en alzar la bandera tricolor, la madrugada del martes 14 de abril de 1931, a las seis y media de la mañana. La corporación municipal recién elegida en las elecciones del domingo (10 concejales socialistas, 8 republicanos y 1 del PNV) proclamó en Eibar la Segunda República. La bandera tricolor fue izada por el concejal más joven de la recién elegida corporación, Mateo Careaga, que era militante de Acción Republicana. Este hecho suponía una profunda transformación de la distribución del poder ya que por primera vez accedieron a él las clases medias y los trabajadores. Cuando se confirmó la proclamación en Barcelona, el pueblo se concentró frente al ayuntamiento para retirar la placa con el nombre de Plaza de Alfonso XIII y colocar la nueva placa de Plaza de la República, improvisada en cartón.

El escritor eibarrés Toribio Echeverría redacta, en su libro Viaje por el país de los recuerdos la proclamación de la Segunda República en Eibar de esta forma:

…y antes de las seis de la mañana habíase congregado el pueblo en la plaza que se iba a llamar de la República, y los concejales electos del domingo, por su parte, habiéndose presentado en la Casa Consistorial con la intención de hacer valer su investidura desde aquel instante, se constituyeron en sesión solemne, acordando por unanimidad proclamar la República. Acto seguido fue izada la bandera tricolor en el balcón central del ayuntamiento, y Juan de los Toyos dio cuenta desde él al pueblo congregado, que a partir de aquella hora los españoles estábamos viviendo en República.

El 3 de mayo la acción de la proclamación republicana que había convertido a Eibar en el punto de partida para el resto de España sirvió para que se oficializara, con la asistencia de importantes personalidades políticas, sociales y culturales el cambio del título de noble y leal villa por el de Muy Ejemplar Ciudad.

Eibar recibe título Muy Ejemplar Ciudad por la valentía y arrojo mostrados por sus ciudadanos al ser la primera ciudad en proclamar la II república. Al acto institucional, celebrado ayer, día 3 de mayo de 1931, en la majestuosa casa consistorial eibarresa, acudieron ilustres personalidades de la vida política y cultural, destacando los señores D. Indalecio Prieto, Ministro de Hacienda, D. Miguel de Unamuno, presidente del Consejo de Instrucción Pública, y el capitán general de la primera región militar Queipo de Llano. Presidió la entrega del título el excelentísimo alcalde D. Alejandro Tellería. (Fuente: Wikipedia)

1914-2014

Los escenarios de la Primera Guerra Mundial fotografiados tal y como se conservan en la actualidad por Peter Macdiarmid: http://www.pbs.org/newshour/updates/images-world-war-devastation-overlaid-modern-photos-france/

Una curiosidad: el edificio de la imagen superior, correspondiente al ayuntamiento de Arras, también fue fotografiado por nuestro oficial francés. Y en 3D.

1914-2014

Los escenarios de la Primera Guerra Mundial fotografiados tal y como se conservan en la actualidad por Peter Macdiarmid: http://www.pbs.org/newshour/updates/images-world-war-devastation-overlaid-modern-photos-france/

Una curiosidad: el edificio de la imagen superior, correspondiente al ayuntamiento de Arras, también fue fotografiado por nuestro oficial francés. Y en 3D.

TAL DÍA COMO HOY

Nos ponemos melancólicos con Yves Montand cantando una composición de Jacques Prévert, que nos dejó un 11 de abril de 1977.

Jacques Prévert (4 de febrero de 1900 - 11 de abril de 1977) fue un poeta, autor teatral y guionista cinematográfico francés.

Después de la Primera Guerra Mundial y a partir de 1920, de regreso a París y la vida civil, participó en el movimiento surrealista como miembro activo del grupo de la rue du Château, junto a Raymond Queneau, Marcel Duhamel, entre otros. No participó en las expresiones más formales del surrealismo, pero se le atribuye la paternidad de algunas de sus prácticas artísticas más características, como el cadáver exquisito.

En 1928 fundó, junto a su hermano Pierre una productora teatral y cinematográfica. En la década de 1930 fue el alma del grupo de teatro “Octubre”, vinculado al Partido Comunista Francés, aunque su proverbial inconformismo le hizo sospechoso de trotskismo. Se lo suele vincular al anarquismo.

Prévert, también escribió varios guiones para el director de cine francés Marcel Carné, entre los cuales se encuentran Drôle de drame (1937), Le jour se lève (1939) y, tal vez la más famosa, Les enfants du paradis (1945).

La publicación de su libro de poemas Paroles en 1946, fue un gran éxito. Ingresó entonces en el colegio de patafísica, donde alcanzó el grado de sátrapa en 1953.

Algunos de sus trabajos fueron musicalizados por Joseph Kosma, Christiane Verger y Hanns Eisler e interpretados por algunos de los cantantes franceses más prestigiosos del siglo XX, como Yves Montand, Germaine Montero, Juliette Gréco, Édith Piaf, y sus poemas se enseñan en las escuelas francesas y muchos colegios llevan su nombre.

En Estados Unidos y otros lugares, los libros de texto de francés utilizan con frecuencia sus poemas, en particular Page d’écriture, aunque muchos de sus trabajos han sido estimados inapropiados para los institutos, según algunos estándares morales y educativos.

Jacques Prévert utiliza los juegos de palabras para trastocar el flujo convencional del lenguaje. Su poesía recurre a neologismos, dobles significados, imágenes insólitas, y está cruzado de retruécanos burlescos y lapsus voluntarios que producen efectos cómicos e inesperados, de un humor a veces negro y a veces erótico. En sus poemas abundan los juegos de sonidos, aliteraciones, rimas y ritmos. El vínculo con el surrealismo está presente tanto en la naturaleza fluida de las imágenes como en el uso de recursos como los inventarios, las enumeraciones heteróclitas de objetos e individuos, las sustantivaciones o las personificaciones de objetos y animales.

Las hojas muertas (título original: Les feuilles mortes) es una canción húngara de 1945 con letra de Jacques Prévert y música de Joseph Kosma. Fue popularizada por Yves Montand y la música del estribillo se convirtió en un standard jazz, con el título de Autumn leaves. (Fuente: Wikipedia)

¡TAL DÍA COMO HOY QUE VIVA ZAPATA!

Hace 95 años, el 10 de abril de 1919, era vilmente asesinado Emiliano Zapata.
La mundialmente famosa fotografía de su cadáver fue tomada en Cuatla por José Mora.
"Quiero morir siendo esclavo de los principios, no de los hombres."

¡TAL DÍA COMO HOY QUE VIVA ZAPATA!

Hace 95 años, el 10 de abril de 1919, era vilmente asesinado Emiliano Zapata.

La mundialmente famosa fotografía de su cadáver fue tomada en Cuatla por José Mora.

"Quiero morir siendo esclavo de los principios, no de los hombres."

UN ROTUNDO HOMENAJE AL ROTONDISMO

http://blogs.publico.es/strambotic/2014/04/rotondismo/
Y no se pierdan este blog. España y yo somos así, señora: 
http://espanabizarra.tumblr.com/

UN ROTUNDO HOMENAJE AL ROTONDISMO

http://blogs.publico.es/strambotic/2014/04/rotondismo/

Y no se pierdan este blog. España y yo somos así, señora: 

http://espanabizarra.tumblr.com/

TAL DÍA COMO HOY

Nos hemos levantado con ánimo pictorialista, así que vamos a celebrar el nacimiento de Clarence H. White.

Clarence Hudson White (8 de abril de 1871 - 7 de julio de 1925) fue un fotógrafo estadounidense cofundador de la corriente de la Photo-Secession. Su trabajo tuvo gran reconocimiento por sus retratos pictorialistas y por ser profesor de fotografía. Al final de su carrera fundó la Clarence H. White School of Photography que tuvo entre sus alumnos a Margaret Bourke-White, Ralph Steiner, Dorothea Lange, Doris Ulmann y Paul Outerbridge.

Nació en Carlisle pero con dieciséis años se trasladó a Newark donde se aficionó a la fotografía y aprendió de un modo autodidacta, aunque empezó a dedicarse a ella como aficionado en 1893, el mismo año que se casó con Jane Felix. Sus mejores fotografías las realizó entre 1893 y 1906 mientras vivía en Ohio y sus modelos eran familiares y conocidos. En 1898 fundó el Newark Camera Club en defensa de una fotografía como arte aunque siguiendo el modelo pictórico de la pintura, en parte porque White se dedicó a la fotografía tras abandonar la pintura. En 1896 recibió un premio de la Asociación fotográfica de Ohio y dos años después participó en el Salón Fotográfico de Filadelfia.

Ese mismo año conoció a Alfred Stieglitz, así cuando el 17 de febrero de 1902 se formó el grupo de la Photo-Secession se encontraba junto a John G. Bullock, William B. Dyer, Frank Eugene, Dallet Fuguet, Gertrude Käsebier, Josep Turner Keiley, Robert S. Redfield, Eva Watson-Schütze, Edward Steichen, Edmund Stirling y John Francis Strauss. Por tanto cuando se trasladó a Nueva York en 1906 ya formaba parte del grupo de fotógrafos iniciadores del movimiento, exponiendo en su galería y publicando en Camera Work. Una de las fotografías que más éxito tuvo fue la titulada El torso que mostraba un desnudo.

En 1907 Arthur Wesley Dow le propuso enseñar fotografía en la universidad de Columbia y a partir de ese momento se convirtió en uno de los mejores profesores de fotografía de la época, ya que sus principios pedagógicos tendían a animar el trabajo fotográfico de los alumnos más que a darles a conocer una serie de principios teóricos y técnicos; por otro lado con el sueldo de profesor pudo dedicarse a la fotografía a tiempo completo. En 1914 decidió fundar la Clarence H. White School of Modern Photography, muchos fotógrafos posteriores fueron alumnos de White, entre ellos destacan Margaret Bourke-White, Dorothea Lange, Doris Ulmann y Paul Outerbridge. Entre las técnicas que enseñaba defendía el uso de la platinotipia, el virado al sepia, el uso de la goma bicromatada y otras técnicas pictorialistas.

Cuando a partir de 1910 Stieglitz abandona el pictorialismo para adoptar la fotografía directa se produjo la separación de White del movimiento de la Photo-Secession y fundó con Karl Struss y Edward Dickson en 1916 la asociación Pictorial Photographers of America que como su nombre indica defendía la fotografía como un arte pictórico.

TAL DÍA COMO HOY

Cumpliría años la magnífica fotógrafa Francesca Woodman, si no hubiese tenido el mal vicio de suicidarse.

Francesca Woodman (Denver, Colorado, 3 de abril de 1958 - Nueva York, Estado de Nueva York, 19 de enero de 1981), fue una fotógrafa estadounidense, nacida en el seno de una familia de artistas. Sus padres, George Woodman y Betty Woodman, eran artistas plásticos que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas. Obtuvo de ellos sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar.

La infancia de Francesca transcurrió entre Boulder, un pueblo de Colorado, y Antella, una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana, con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena.

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

Se trasladó a Nueva York en 1979, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una ruptura sentimental, Woodman entró en una depresión. El 19 de enero de 1981 Francesca Woodman se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan. Antes de suicidarse, en una carta a un amigo de la escuela, Sloan Rankin, escribía las siguientes palabras. “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…”.

Su obra consiste en retratos de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro.
Para Francesca Woodman el medio preferido para sus imágenes era el libro: sus fotos pasaban desapercibidas en galerías, sobre todo si tenían que competir con las imágenes de moda, aumentadas a tamaños descomunales. Diseñó libros para recoger sus fotografías, pero sólo se publicó uno de ellos: Algunas geometrías interiores desordenadas, en 1981.

Durante su estancia en Roma, las fotografías en las que el fondo muestra paredes deterioradas, enfatizando la calidad geométrica del origen arquitectónico clásico, cuyo estado es ruinoso. Estos escenarios recuerdan ambientes en los que le gustaba ubicar su trabajo en Rhode Island, donde buscaba viejas mansiones victorianas o fábricas abandonadas que le pudieran ofrecer el contexto apropiado para lo que quería expresar. En este periodo, sus fotografías muestran su influencia de los pintores clásicos italianos. Por ejemplo en su serie Calendario Pez -6 días, compone un aspecto general de naturalezas muertas junto con desnudos parciales.

Un interesante artículo sobre su obra en El País: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/29/actualidad/1333030202_055108.html

TAL DÍA COMO HOY

El 2 de abril de 1938 nacía la fotógrafa Martine Franck: mirada de mujer.

En las postrimerías de su vida, Henri Cartier-Bresson (HCB) resolvió abandonar la fotografía y entregarse cual cristiano renacido a la pintura, arte absoluta que, en un canto de sirena tardío, prometía colmar su pulsión estética.

Antes de cambiar la película por los pinceles y los bocetos, el fotógrafo había roto otras nupcias: las que le unieron a una bailarina de Java, Ratna Mohini. El vacío resultante sería cubierto por una fotógrafa tímida, elegante, belga francófona pero con educación anglosajona, que acabaría siendo su confidente, su albacea y la perpetuadora de su memoria y legado: Martine Franck.

En 2012, Franck (Anvers, 1938) sucumbió a una larga enfermedad después de haber vivido una fecunda vida entregada a su pasión que le permitió sobrepasar su condición de viuda de HCB y dejarnos un archivo valioso de retratos, reportajes documentales y escenas costumbristas y paisajísticas.

Hablar de Franck, miembro de la agencia Magnum desde 1980, implica hablar de generosidad. Su entrega radica en que, más allá de su propia aportación como fotógrafa, realizó un esfuerzo ímprobo para gestionar la memoria, el conocimiento y los archivos del cofundador de Magnum Photos y del fotoperiodismo moderno. Fue ella quien creó y presidió, apoyada por su hija Mélanie, la parisina Fundación Henri Cartier-Bresson, un notable ejemplo de gestión cultural que, al igual que la Maison de la Photographie Robert Doisneau de Gentilly, ha sido desde sus orígenes lugar de gozosa peregrinación para los estudiosos de la fotografía.

Entre Henri y Martine se produjo un trasvase de cariño y experiencias, pero también de conocimientos. En una entrevista de 2010 con Mark Bussell, exeditor de fotografía de The New York Times, Franck señalaba que el maestro de la fotografía documental le había enseñado a decir no, es decir, “a ser selectiva y no mostrar nunca imágenes que no quisiera ver publicadas”.

Si se revisa el archivo disponible en Magnum o se hojea, por ejemplo, las monografías publicadas por Actes Sud (Venus d’Ailleurs, Fables) es imposible no llegar a la conclusión de que, efectivamente, supo elegir con mimo las imágenes que quería captar y los negativos que quería dar a luz.

Su dedicación a la imagen hay que atribuirla a una amiga de la infancia, la dramaturga Ariane Mnouchkine, con quien empezaría a fotografiar las giras del Théâtre du Soleil. Como recoge la periodista Annick Cojean en su introducción al volumen de la colección clásica Photo Poche, su viaje en 1962 por Afganistán, India, China y Japón sería fundamental para determinar la vocación de Franck, que antes había estudiado arte en la Universidad Complutense de Madrid y en la Escuela del Louvre.

Durante su carrera, no solo trabajó como freelance para varias publicaciones (Life, Fortune, Vogue, The New York Times), sino que fue miembro de la Agencia VU’ y cofundó la agencia Viva.

Además de sus proyectos teatrales, entre los que destacan el que hizo sobre el montaje de Bob Wilson de las Fábulas de La Fontaine para la Comédie Française, Franck se volcó en sus reportajes por Oriente, donde abordó temas como la serenidad de la vejez, la religión tibetana y los esfuerzos de emancipación de la mujer. Su cámara le permitió también testimoniar la transformación de su Francia adoptiva y describir la sociedad de EEUU, Irlanda y el Reino Unido, en un estilo documentalista heredero del de su mentor.

Wayne Ford la entrevistó para Creative Review con motivo de su retrospectiva de 35 años de trabajo en la galería Hackelbury de Londres. Del diálogo se deduce no solo la sensibilidad de Franck, sino su lucidez a la hora de anticipar, en 2001, el declive del fotoperiodismo impreso. ‘Los periódicos de ahora”, dijo entonces, “son un desastre absoluto, ya no trabajamos para ellos.”

Su última gran exposición fue la titulada Venidos de fuera. Pintores y escultores en París desde 1945, el pasado invierno en la Maison Européene de la Photographie de París. Era su homenaje a Francia como tierra de acogida de artistas e intelectuales exiliados y un ejemplo de un proyecto vital que le llevó a fotografiar a Balthus, Foucault, Chagall, Giacometti, Kertéscz y Strand, entre muchos otros. En la pasada primavera volvería a ser expuesta en la galería Claude Bernard.
Quizá su imagen más simbólica es la que tomó en París en 1992. De espaldas, reflejado en un espejo colgado de una ventana, aparece Cartier-Bresson mientras dibuja su propio retrato: una metáfora limpia y romántica repleta de referencias.

De la huella que Martine Franck despertó en la comunidad fotográfica, sirva como muestra esta frase de Jean-Jacques Naudet, redactor jefe de Le Journal de la Photographie: “El bosque de las almas a las que hemos amado y admirado se hace más espeso”. (Fuente: ELPAÍS)

Su obra en Magnum: http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL535XVA

TAL DÍA COMO HOY

El 2 de abril de 1938 nacía la fotógrafa Martine Franck: mirada de mujer.

En las postrimerías de su vida, Henri Cartier-Bresson (HCB) resolvió abandonar la fotografía y entregarse cual cristiano renacido a la pintura, arte absoluta que, en un canto de sirena tardío, prometía colmar su pulsión estética.

Antes de cambiar la película por los pinceles y los bocetos, el fotógrafo había roto otras nupcias: las que le unieron a una bailarina de Java, Ratna Mohini. El vacío resultante sería cubierto por una fotógrafa tímida, elegante, belga francófona pero con educación anglosajona, que acabaría siendo su confidente, su albacea y la perpetuadora de su memoria y legado: Martine Franck.

En 2012, Franck (Anvers, 1938) sucumbió a una larga enfermedad después de haber vivido una fecunda vida entregada a su pasión que le permitió sobrepasar su condición de viuda de HCB y dejarnos un archivo valioso de retratos, reportajes documentales y escenas costumbristas y paisajísticas.

Hablar de Franck, miembro de la agencia Magnum desde 1980, implica hablar de generosidad. Su entrega radica en que, más allá de su propia aportación como fotógrafa, realizó un esfuerzo ímprobo para gestionar la memoria, el conocimiento y los archivos del cofundador de Magnum Photos y del fotoperiodismo moderno. Fue ella quien creó y presidió, apoyada por su hija Mélanie, la parisina Fundación Henri Cartier-Bresson, un notable ejemplo de gestión cultural que, al igual que la Maison de la Photographie Robert Doisneau de Gentilly, ha sido desde sus orígenes lugar de gozosa peregrinación para los estudiosos de la fotografía.

Entre Henri y Martine se produjo un trasvase de cariño y experiencias, pero también de conocimientos. En una entrevista de 2010 con Mark Bussell, exeditor de fotografía de The New York Times, Franck señalaba que el maestro de la fotografía documental le había enseñado a decir no, es decir, “a ser selectiva y no mostrar nunca imágenes que no quisiera ver publicadas”.

Si se revisa el archivo disponible en Magnum o se hojea, por ejemplo, las monografías publicadas por Actes Sud (Venus d’Ailleurs, Fables) es imposible no llegar a la conclusión de que, efectivamente, supo elegir con mimo las imágenes que quería captar y los negativos que quería dar a luz.

Su dedicación a la imagen hay que atribuirla a una amiga de la infancia, la dramaturga Ariane Mnouchkine, con quien empezaría a fotografiar las giras del Théâtre du Soleil. Como recoge la periodista Annick Cojean en su introducción al volumen de la colección clásica Photo Poche, su viaje en 1962 por Afganistán, India, China y Japón sería fundamental para determinar la vocación de Franck, que antes había estudiado arte en la Universidad Complutense de Madrid y en la Escuela del Louvre.

Durante su carrera, no solo trabajó como freelance para varias publicaciones (Life, Fortune, Vogue, The New York Times), sino que fue miembro de la Agencia VU’ y cofundó la agencia Viva.

Además de sus proyectos teatrales, entre los que destacan el que hizo sobre el montaje de Bob Wilson de las Fábulas de La Fontaine para la Comédie Française, Franck se volcó en sus reportajes por Oriente, donde abordó temas como la serenidad de la vejez, la religión tibetana y los esfuerzos de emancipación de la mujer. Su cámara le permitió también testimoniar la transformación de su Francia adoptiva y describir la sociedad de EEUU, Irlanda y el Reino Unido, en un estilo documentalista heredero del de su mentor.

Wayne Ford la entrevistó para Creative Review con motivo de su retrospectiva de 35 años de trabajo en la galería Hackelbury de Londres. Del diálogo se deduce no solo la sensibilidad de Franck, sino su lucidez a la hora de anticipar, en 2001, el declive del fotoperiodismo impreso. ‘Los periódicos de ahora”, dijo entonces, “son un desastre absoluto, ya no trabajamos para ellos.”

Su última gran exposición fue la titulada Venidos de fuera. Pintores y escultores en París desde 1945, el pasado invierno en la Maison Européene de la Photographie de París. Era su homenaje a Francia como tierra de acogida de artistas e intelectuales exiliados y un ejemplo de un proyecto vital que le llevó a fotografiar a Balthus, Foucault, Chagall, Giacometti, Kertéscz y Strand, entre muchos otros. En la pasada primavera volvería a ser expuesta en la galería Claude Bernard.
Quizá su imagen más simbólica es la que tomó en París en 1992. De espaldas, reflejado en un espejo colgado de una ventana, aparece Cartier-Bresson mientras dibuja su propio retrato: una metáfora limpia y romántica repleta de referencias.

De la huella que Martine Franck despertó en la comunidad fotográfica, sirva como muestra esta frase de Jean-Jacques Naudet, redactor jefe de Le Journal de la Photographie: “El bosque de las almas a las que hemos amado y admirado se hace más espeso”. (Fuente: ELPAÍS)

Su obra en Magnum: http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL535XVA

1º DE ABRIL, EN EL DÍA DE HOY

Hace 75 años, la Guerra ha terminado. Comienza la Paz (de los cementerios).

"Canciones para después de una guerra" evoca la memoria de la postguerra y el franquismo a través de canciones populares de la época montadas sobre imágenes que ofrecen un sentido totalmente distinto del original. Es, en definitiva, una reflexión sobre el uso y el sentido de los elementos visuales y sonoros, independientemente de su procedencia. Es una radiografía emotiva y lúdica, de la postguerra española (1939-1952) que muestra escenografías del hambre, del miedo, de la desolación y del fundamentalismo en la España de Franco acompañadas de cantares de patio, de vecindad, de devoción religiosa, de tugurio y de exaltación patriótica.

Según el propio director Basilio Martín Patino:

"Indagar en el pasado de un modo tan convencional como el cinematográfico, sin el rigor y la disciplina del estudioso profesional, es bucear en un océano particular y oscuro de sentimientos, influencias heterodoxas, estéticas e idearios que requieren una indulgencia especial para transgredir sin escrúpulos lo correctamente establecido.

Entiendo que hacer cine es ya un ejercicio provocador, polémico, y, ¿por qué no?, me atrevería a decir que implica cierta licencia para ejercer una especie de terrorismo estético-cultural, con toda seguridad inocuo e ingenuo, pero con toda seguridad también estimulantemente liberador. Desde mi relativa experiencia sé que el cine resultará tanto más gratificante para autor y para espectador cuanto más me atreva a olvidarme de toda atadura, preceptiva o normativa de lo que se debe hacer, según los profesores, frente a lo que me da la real y sincera gana, saltándome además sus claves económicas, que son las más espinosas, y todo tipo de barreras académicas, para hablar en directo al espectador y hacerle cómplice de mis particulares indisciplinas. Qué goce de plenitud creativa, de liberación, de compensaciones, con sólo abrirle a tus seres afines el canal de nuestros interiores vasos comunicantes. ¿Deberemos someter también nuestras ficciones a la prueba crítica de los investigadores? ¿Cuál será a la larga más expresiva y válida en el mejor entendimiento de la historia? Los usos de lo cotidiano, la gesticulación y sociabilidad, la intimidad de lo privado, los juegos de la seducción amorosa, los ritos del misterio, de la muerte, de la familia. Tras la historia oral, y luego la escrita, y luego la visual, yo añadiría la inventada.

Particularmente, más que representar el pasado, me interesa suscitar su presencia en el día de hoy, vivo, presente, en su confluir y simultanear distintos tiempos que se complementan, se potencian, o se aniquilan entre sí. Pero dejando al espectador que construya su propia reflexión personal conforme a sus conocimientos o a su capacidad de reflexión.”

El documental completo: http://www.documentalesonline.com/historia/canciones-para-despues-de-una-guerra-video_dfaac835b.html

TAL DÍA COMO HOY

Del año 1872 nacía Serguéi Pávlovich Diáguilev, fundador de los Ballets Rusos. Os dejamos un artículo de nuestro ínclito colaborador Carlos Traspaderne sobre el paso de ese torbellino artístico por Logroño, publicado en la revista Danza en escena en 2009.


MÁS MODERNO QUE EL FUTURO

Pablo Ruiz Picasso pinta Las señoritas de Avignon en el verano de 1907. Cien años. Filippo Tomasso Marinetti publica su primer manifiesto futurista en Le Figaro el 20 de febrero de 1909. Cien años. La Modernidad, ese muchacho insolente, bello como la velocidad, se ha convertido hoy en una anciana anestesiada entre librerías polvorientas y cementerios del arte. Aún así siempre esconde anécdotas ocultas, piedras miliares entre sus arrugas para fascinarnos con su clarividencia. Leo en el periódico que se cumple un siglo del debut el 18 de mayo de 1909 de la compañía de los Ballets Russes del visionario Serguéi Diaghilev en el Teatro Châtelet de París. Cien años de modernidad para la danza. Si Kandisnki creaba sus atonales sinfonías pictóricas acunado por Schoenberg, Diaghilev creaba sus experiencias (así podrían llamarse a sus instalaciones alejadas del “teatro bailado” anterior) mezclando simbióticamente a autores de todos los órdenes: pintores como Picasso, diseñadores como Leon Bakst y Alexander Benois, compositores como Debussy, Satie, Rimsky-Kórsakov, Stravinski y Prokofiev, bailarines y coreógrafos como Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova y Tamara Karsavina, coreógrafos como Fokine, Balanchine y Massine, escritores como Jean Cocteau. Es decir, pura vanguardia para crear obras orientalistas y ensoñadoras, radicales y extrañas que retroalimentaron a muchos artistas, inspirándoles con su extraña belleza.

De repente, me asalta ese topónimo, dibujado tan familiarmente entre las líneas de la noticia. Lo reconozco sin falta de leerlo: Logroño. Un momento… ¿Logroño? ¿En una noticia sobre la Modernidad? No puede ser, pero ahí está navegando entre las letras. Esa compañía rusa, que como el filo de la cuchilla atravesó la Historia para crear un arte nuevo combinación del libre flujo del movimiento con la unión de la poesía, la música y el ritmo teatral había recabado en Logroño en alguna de sus varias giras por España, con sus baúles desbordantes de diseños matissianos y corcheas fallescas.

Y es como una magdalena de Proust pero sin recuerdos infantiles, sólo imágenes mudas y una pregunta elusiva. Se proyecta ese Logroño de principios de siglo, tan bien retratado por la cámara de Víctor Lorza: aún encorsetado por las líneas de sus antiguas murallas, pequeño y ensimismado, rural y burguesito a un tiempo, paseando a dieciséis fotogramas por segundo en un Espolón repleto de bigotes enroscados y sombreros de paja. Desde mi más completa ignorancia de lo que sucedió en aquella lejana visita, no conociendo fechas, ni participantes, ni asistencias, ni críticas, me asalta la Cuestión: ¿qué sintió aquel logroñesito medio sentado ante tal espectáculo cinético y exótico, fauvista y rupturista? ¿Rechazo o fascinación? No lo sé, tal vez estas páginas me (nos) respondan, pero sé una cosa. Que aquel Logroño de hace cien años era mucho más moderno que el de ahora. Y si no me creen, dense una vuelta.

TAL DÍA COMO HOY

De 1895 los hermanos Lumiére presentan su invento llamado cinematógrafo en el Fomento de la Industria Nacional de París. Había nacido el cine.

Os dejamos con un documental sobre Louis Lumière, el gran pionero del mundo del cine. Está dirigido por Eric Rohmer, uno de los directores más importantes de la Nouvelle Vague. Los entrevistados son Jean Renoir y Henri Langlois (ángel protector del cine y fundador de la Cinemateca Francesa), quienes reflexionan con lucidez y pasión sobre el séptimo arte.

¿No es el lenguaje del cine una invención práctica que nos ayuda a explicar nuestros deseos y sueños?

TAL DÍA COMO HOY

Hace seis años que nos dejó el maestro Azcona, pero antes tuvimos la ocasión de retratarle y conversar con él. Que lo disfruten: http://www.fronterad.com/?q=hablando-con-azcona

TAL DÍA COMO HOY

Hace seis años que nos dejó el maestro Azcona, pero antes tuvimos la ocasión de retratarle y conversar con él. Que lo disfruten: http://www.fronterad.com/?q=hablando-con-azcona

¿LLEVAIS ALGO DE SUELTO?

Si tenéis 435.000 eurillos en chatarrilla, os podéis pillar la Leica M6 Platinum Sultan of Brunei 50th Birthday Edition de la foto. 

Si queréis ver unas cuantas Leicas de precios absurdos (más absurdos de lo normal), pinchad aquí: http://www.quesabesde.com/noticias/10-camaras-leica-mas-singulares-exclusivas-historia_11524

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