Casa de la Imagen

Centro de cultura audiovisual en Logroño. Galería, escuela de fotografía y vídeo, editorial...

TAL DÍA COMO HOY

Hace cuarenta y cinco años, el 8 de agosto de 1969, Ian Macmillan tiró un carrete con su Hasselblad 500, objetivo angular de 50mm, diafragma f22 a un 1/500 de segundo.

El resultado creo que lo conocen.

TAL DÍA COMO HOY

«La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiado, el sujeto se convierte en parte del pasado.»

En 1898 nacía la fotógrafa Berenice Abbott (17 de julio de 1898, Springfield, Ohio - 9 de diciembre de 1991, Monson, Maine) fue una fotógrafa estadounidense.

Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva York, París y Berlín. En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget. En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas.

Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el the Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939.

En 1935 Berenice se trasladó a un loft en el Greenwich Village con la crítica de arte Elizabeth McCausland con quien vivió hasta la muerte de McCausland en 1965. McCausland fue un gran apoyo en su carrera, escribiendo artículos en diversas publicaciones sobre la obra de Berenice o incluso creando el título para la obra de 1939 Changing New York.

LA CÁMARA DEL SOLDADO

La cámara de fotos de un soldado llamado Louis J. Archambeau fue encontrada en uno de los escenarios de la Batalla de las Ardenas. Louis formaba parte de la Compañía C, 1er Batallón, 317o regimiento de infantería cuando sus compañeros y él se encontraban en una trinchera resguardándose del fuego de artillería alemán. Esa fue la última posición en la que se le pudo ver con vida. Fue declarado MIA (desaparecido) el día 26 de Diciembre de 1944 y finalmente KIA (fallecido) el 23 de Febrero de 1945 cuando fue hallado su cuerpo. 70 años más tarde, el capitán Mark Anderson y su amigo el historiador Jean Muller utilizaban su detector de metales cerca de Luxemburgo cuando se encontraron  con una trinchera en una zona boscosa. El detector indicaba que había un objeto en el fondo de la misma, y tras excavar un poco, desenterraron la cámara de Louis. Una vez llevado al revelado el rollo que había en su interior salieron las 5 fotografías que os mostramos en este artículo y que son los testigos silenciosos de los últimos días de Louis. Mark y Jean se pusieron en contacto con el portal TheTroubledShooters.com y consiguieron localizar a familiares de Louis, a los que hicieron entrega de las fotografías y los objetos personales encontrados por ellos.

TAL DÍA COMO HOY

Uno de los mejores fotógrafos de la Historia, André Kertész, nació hace 120 años, el 2 de julio de 1894. ¿Pero sabían que empezó a hacer fotos como soldado austrohúngaro en la Primera Guerra Mundial?

En 1912, cuando tuvo suficiente dinero, Kertész compró su primera cámara (una cámara rectangular ICA), a pesar de las protestas de su familia para que continuara su carrera en los negocios. Durante su tiempo libre, Kertész empezó a tomar fotografías a los campesinos locales, a los gitanos y a los paisajes de la Gran Llanura Húngara. Se cree que su primera fotografía fue “Niño durmiendo, Budapest, 1912”, aunque sus trabajos no se empezaron a publicar hasta después de 1917, cuando era un miembro de ejército austrohúngaro en la Primera Guerra Mundial. Sus fotografías fueron publicadas por primera vez en la revista Érdekes Újság. Kertész aprendió por sí mismo como usar una cámara. Para 1914 su estilo distintivo y maduro era evidente (por ejemplo, “Eugene, 1914”).

En 1914, a los 20 años, fue enviado al frente de batalla, donde tomó fotografías de la vida en las trincheras con una cámara ligera (una Tenax de Goerz). Desafortunadamente, la mayoría de estas fotografías fueron destruidas durante la revolución húngara de 1919. En 1915, fue herido por una bala y su brazo derecho quedó paralizado temporalmente.

Kertész fue enviado a un hospital militar en Budapest, pero más tarde fue transferido a Esztergom, donde continuó tomando fotos, incluyendo un autorretrato con el que participó en un concurso de la revista Borsszem Jankó.

La obra más conocida de éste periodo es “Nadador bajo el agua, Esztergom, 1917”, la única fotografía que sobrevive de una serie que muestra nadadores cuya imagen es distorsionada por el agua. Está serie provocó que Kertész se interesara en distorsiones, lo que lo llevó a realizar una serie llamada “Distorsiones” a principios de los años 1930.

Kertész permaneció lejos del campo de batalla durante el resto de la guerra. Finalizada ésta, regresó a trabajar en la bolsa de valores.

El archivo de la Gran Guerra. Noticias Antena 3 (28/06/2014)

Con motivo del centenario del atentado contra el archiduque Francisco Fernando que desencadenó la Gran Guerra, la sección “A fondo” de las noticias de Antena 3 dedicó un reportaje al archivo fotográfico de la Primera Guerra Mundial rescatado por Casa de la Imagen en Tánger.

La guerra de cristal

Estupendo reportaje de la sección A fondo de las Noticias de Antena 3 sobre nuestro archivo de Tánger de la I Guerra Mundial. A partir del minuto 18.

1 month ago

TAL DÍA COMO HOY

En 1905, los marineros del acorazado Potemkin se amotinaron, denunciando los crímenes de autocracia y pidiendo el fin de la guerra con Japón. Fueron inmortalizados en la película de Eisenstein de 1925, ¿pero sabían que la famosa escena en la escalera de Odessa jamás sucedió?

La Escalera Potiomkin (en ucraniano, Потьомкінські сходи, transliteración Potiómkinski sjody; en ruso Потёмкинская лестница, translit. Potiómkinskaya léstnitsa) es una escalinata pública en la ciudad de Odesa (Ucrania). Es uno de los símbolos de la ciudad y conecta su casco viejo con la zona portuaria del Mar Negro. También ha sido conocida como Escalera de Richelieu, Escalera del Bulevar, Escalera Primorsky o Escalera Gigante.

Tiene 142 m de longitud y una altura de 27 m. Cuenta en total con 10 descansillos y 192 escalones de longitud diferente, los de la parte baja miden 21,7 m y los de la alta 13,4 m. Esta forma especial de construcción en perspectiva forzada o trampantojo le da a la escalera unas características interesantes de ilusión óptica. Si se mira desde la parte baja se ven solamente los escalones, no los descansillos, y se percibe claramente que los escalones son más cortos en la parte superior. Al contrario, si se mira desde la parte alta se ven los descansillos, pero no los escalones, y se tiene la sensación que tiene una anchura uniforme en toda su longitud.
En la parte alta la escalera desemboca en una pequeña plaza sobre el bulevar Primorsky. En la plaza se alza el monumento a Armand Emmanuel du Plessis, duque de Richelieu, noble francés que fue el primer gobernador ruso de la ciudad. La escultura mira hacia el mar.

La escalinata fue construida entre 1837 y 1841 bajo diseño del arquitecto italiano Francesco Boffo. Antiguamente existían escaleras estrechas e inseguras de madera que conectaban la zona alta de la ciudad con la costa y el puerto. El conde Mijaíl Vorontsov, Gobernador General de toda la Rusia Meridional, gastó 800 mil rublos de oro en su construcción, y después la regaló a su mujer, Elizaveta Vorontsova, el día de su cumpleaños. Bautizada con el nombre de Escalera Primorsky (por el bulevar de la parte superior), fue construida con piedra arenisca de color verde-grisáceo traída de Trieste (Italia). Originalmente tenía 200 escalones.

En 1933 se remodeló la escalera debido a la erosión y el desgaste, para ello se utilizó granito rosado y los descansillo fueron cubiertos con asfalto. A causa de las obras de reconstrucción en la zona baja, ocho escalones fueron cubiertos con arena para poder expandir el área del puerto.
Junto a la escalera se construyó en 1906 un funicular para transportar cómoda y rápidamente a la gente. Después de 50 años de funcionamiento el funicular resultó obsoleto y fue remplazado por un ascensor. Éste se estropeó en 1990 y no fue hasta el 2004 cuando fue reemplazado por un funicular nuevo.

En 1955 se le cambió el nombre de Escalera Primorsky por el de Escalera Potiomkin en honor al 50º aniversario de la sublevación del acorazado Potiomkin.

La escalera alcanzó fama internacional en 1925 debido a la película del director soviético Serguéi Eisenstein El acorazado Potemkin en la cual una se las escenas más relevantes de la misma y que está considerada como obra maestra de la historia cinematográfica se desarrolla en ellas. En esa escena, los cosacos disparan contra el pueblo inocente1 para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Eliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

UNA FOTO REAL

Es una de las fotografías de prensa más conocidas, representadas y analizadas de la historia del fotoperiodismo español, y sirvió para afianzar la importancia dada a la información gráfica.
En 1906, ABC se apuntó su primer gran éxito con esta fotografía del atentado que sufrieron Alfonso XIII y Victoria Eugenia cuando el anarquista Mateo Morral les lanzó una bomba escondida en un ramo de flores, a su paso por el número 88 de la madrileña calle Mayor. Hubo 25 muertos y un centenar de heridos entre la comitiva, formada por 19 carrozas reales y 22 de grandes de España.
Esta primicia informativa gráfica, quizá la primera del periodismo español del siglo XX, fue tomada por Mesonero Romanos y publicada en exclusiva por ABC, constituyendo un enorme éxito informativo, del que entonces se dijo fue «el más grande que se conoce en los anales de la prensa universal».
Era la primera boda real que había de cubrir ABC, por lo que nada se dejó a la improvisación. Se había preparado un número especial de Blanco y Negro para el día 2 de junio. Para completar la cobertura gráfica de Francisco Goñi, se contó con Irigoyen y el gran Charles Franzen, «fotógrafo de reyes y rey de los fotógrafos». Y por si acaso se organizó un concurso de fotografías de la boda, comprometiéndose a pagar 25 pesetas por cada una de las publicadas. Al final lo que se publicó fue la primera exclusiva fotográfica de la prensa en España, por la que al parecer se pagó 300 pesetas. Apostado en un balcón de la calle Mayor, el estudiante Eugenio Mesonero Romanos tomó esta instantánea que fue presentada por el diario como un éxito periodístico, «el más grande que se conoce en los anales de la prensa universal».
Lo cierto es que lo que se conserva es una copia en papel muy retocada para permitir su reproducción. Fue tanto el retoque necesario, que el diario hubo de confirmar al día siguiente que se trataba de una fotografía «instantánea» y no de un dibujo. Los sistemas de impresión de la época, aún siendo muy avanzados en el caso de ABC, hacían muy difícil la reproducción en el papel prensa sin someter a las fotografías a retoques tendentes a resaltar contornos y contrastes.
Eugenio Mesonero Romanos era un estudiante de medicina, aficionado a la fotografía y que tomó la exclusiva del atentado. Falleció en 1952, y fue jefe facultativo de la Beneficencia Municipal de Madrid. Su contribución al fotoperiodismo español fue, sin embargo crucial. Con su instantánea certificó el comienzo de una época de madurez de la información gráfica. Ya no eran sólo ilustraciones estáticas o poses de acontecimientos públicos. La imagen se convertía en un medio para transmitir la vida. La fotografía podía salir a la calle y atrapar la vida en un instante.

UNA FOTO REAL

Es una de las fotografías de prensa más conocidas, representadas y analizadas de la historia del fotoperiodismo español, y sirvió para afianzar la importancia dada a la información gráfica.

En 1906, ABC se apuntó su primer gran éxito con esta fotografía del atentado que sufrieron Alfonso XIII y Victoria Eugenia cuando el anarquista Mateo Morral les lanzó una bomba escondida en un ramo de flores, a su paso por el número 88 de la madrileña calle Mayor. Hubo 25 muertos y un centenar de heridos entre la comitiva, formada por 19 carrozas reales y 22 de grandes de España.

Esta primicia informativa gráfica, quizá la primera del periodismo español del siglo XX, fue tomada por Mesonero Romanos y publicada en exclusiva por ABC, constituyendo un enorme éxito informativo, del que entonces se dijo fue «el más grande que se conoce en los anales de la prensa universal».

Era la primera boda real que había de cubrir ABC, por lo que nada se dejó a la improvisación. Se había preparado un número especial de Blanco y Negro para el día 2 de junio. Para completar la cobertura gráfica de Francisco Goñi, se contó con Irigoyen y el gran Charles Franzen, «fotógrafo de reyes y rey de los fotógrafos». Y por si acaso se organizó un concurso de fotografías de la boda, comprometiéndose a pagar 25 pesetas por cada una de las publicadas. Al final lo que se publicó fue la primera exclusiva fotográfica de la prensa en España, por la que al parecer se pagó 300 pesetas. Apostado en un balcón de la calle Mayor, el estudiante Eugenio Mesonero Romanos tomó esta instantánea que fue presentada por el diario como un éxito periodístico, «el más grande que se conoce en los anales de la prensa universal».

Lo cierto es que lo que se conserva es una copia en papel muy retocada para permitir su reproducción. Fue tanto el retoque necesario, que el diario hubo de confirmar al día siguiente que se trataba de una fotografía «instantánea» y no de un dibujo. Los sistemas de impresión de la época, aún siendo muy avanzados en el caso de ABC, hacían muy difícil la reproducción en el papel prensa sin someter a las fotografías a retoques tendentes a resaltar contornos y contrastes.

Eugenio Mesonero Romanos era un estudiante de medicina, aficionado a la fotografía y que tomó la exclusiva del atentado. Falleció en 1952, y fue jefe facultativo de la Beneficencia Municipal de Madrid. Su contribución al fotoperiodismo español fue, sin embargo crucial. Con su instantánea certificó el comienzo de una época de madurez de la información gráfica. Ya no eran sólo ilustraciones estáticas o poses de acontecimientos públicos. La imagen se convertía en un medio para transmitir la vida. La fotografía podía salir a la calle y atrapar la vida en un instante.

LA EVOLUCIÓN DE LOS EFECTOS VISUALES

Más de un siglo de trucos cinematográficos resumido en tres minutos.

ELOGIEMOS HOY A UN HOMBRE FAMOSO

Hace 59 años nos dejaba James Agee, aquí retratado por su gran amigo Walker Evans. Además qué mejor momento para recordarlos ahora que se ha reeditado su trabajo conjunto para Fortune sobre los algodoneros: http://cultura.elpais.com/cultura/2014/05/02/actualidad/1399054897_375810.html
James Rufus Agee (27 de noviembre de 1909 Knoxville, Tennessee-16 de mayo de 1955 Nueva York) fue un escritor y periodista estadounidense. Su novela autobiográfica Una muerte en la familia, aparecida en 1957, ganó el premio Pulitzer en 1958, y se la considera una obra maestra. Colaboró también en el cine, como crítico y como guionista de dos películas sobresalientes.
Agee nació en la calle 15 de Highland streets en Knoxville, Tennessee. Cuando tenía 6 años perdió a su padre, en un accidente automovilístico, suceso que pesará en su vida. Desde los siete años estudió junto con su hermana menor, Enma, en diversos internados. El más decisivo fue Saint Andrews School for Mountain Boys, que estaba localizado cerca de la casa de verano de su madre, a unos tres kilómetros de Sewanee (Tennessee).
El colegio estaba regido por la Orden Anglicana de la Santa Cruz, allí conoció, en 1919, al Padre Flye y su esposa que vivían en los terrenos del colegio y con los que mantendrá amistad hasta la muerte; la correspondencia entre ambos reveladora de la complejidad vital de Agee: Letters of James Agee to Father Flye (1962). Su madre se casó con el Padre Erskind Wright en 1924, contable del colegio St. Andrew’s y se trasladan a Rockland, Maine.
Agee acudió a la Escuela Superior en el curso 1924-1925; en el verano de ese año viajó a Europa con el padre Flye. A la vuelta, en otoño de 1925, entró en Phillips Exeter Academy, elitista internado en el estado de New Hampshire. Aquí fue nombrado, en 1927, editor del Exeter Monthly y presidente del Lantern Club (sociedad literaria).
En otoño de 1928 ingresó en la Universidad de Harvard; siendo su compañero de habitación Robert Saudek. Durante el verano de 1929 trabajó en los campos de trigo de Nebraska y Kansas. Con Robert Fitzgerald asistió a las clases de Robert Hillyer y I. A. Richards; y en 1930 y en 1931 fue nombrado editor jefe de Harvard Advocate. En la primavera de 1932, se graduó en Harvard.
Dada su confección de un número paródico de Time, y con los esfuerzos de Dwight Macdonald, fue contratado como reportero y después como escritor de plantilla de Fortune en el edificio Chrysler. En el verano de 1936 pasó ocho semanas en el estado de Alabama con el fotógrafo Walker Evans, entrevistando y fotografiando a familias de pequeños agricultores; fue una experiencia decisiva en su vida.
Se casó tres veces y tuvo cuatro hijos. En 1951, Agee sufrió su primer ataque al corazón, de otro moriría cuatro años después en un taxi de Nueva York. Después de licenciarse, escribió artículos para Fortune y para el Times. En 1934, publicó su primera colección de poemas, Permit Me Voyage, con un prólogo de Archibald Macleish.
Por otro lado, aunque Fortune nunca publicó los artículos que le encargó en su viaje de 1936, se recopilaron luego en un libro publicado en 1941, Elogiemos ahora a hombres famosos; ha sido seleccionado por la Biblioteca Pública de Nueva York como uno de los mejores libros del siglo XX.
La relación con el mundo del cine empieza en 1942, cuando se convierte en crítico cinematográfico, primero para la revista Time y después en The Nation: fue uno de los más influyentes y originales de los Estados Unidos. Las críticas de Agee se editaron tras su muerte con el título Agee on film.
En 1948 abandona Time y escribe, bajo contrato con Huntington Hartford, guiones de películas basados en The Blue Hotel y The Bride Comes to Yellow Sky de Stephen Crane. Escribe una narración para la película de Helen Levitt, The Quiet One. En ese año se estrena Knoxville Summer of 1915 para soprano y orquesta, con música de Samuel Barber y letra de Agee, donde canta Elenor Steber.
Destaca su guion para La reina de África, dirigida por John Huston. En 1954 escribe otro guion famoso, La noche del cazador, basado en la novela de Davis Grubb; fue dirigida por Charles Laughton.
En 1957 se publicó su segunda novela, Una muerte en la familia, basada en los sucesos que rodearon la muerte de su padre y que en 1958 recibió el premio Pulitzer de ficción, está considerada una de las grandes novelas del siglo XX en Estados Unidos]]. Fue llevada al teatro con éxito en 1960 y también se rodó una película (1963), ambas con el título de All the Way Home.
Durante su vida no tuvo gran reconocimiento público, pero su reputación literaria ha ido creciendo después de su muerte. Hoy está reunida su prosa en The Collected Short Prose of James Agee.
(Fuente: El Pais y Wikipedia)

ELOGIEMOS HOY A UN HOMBRE FAMOSO

Hace 59 años nos dejaba James Agee, aquí retratado por su gran amigo Walker Evans. Además qué mejor momento para recordarlos ahora que se ha reeditado su trabajo conjunto para Fortune sobre los algodoneros: http://cultura.elpais.com/cultura/2014/05/02/actualidad/1399054897_375810.html

James Rufus Agee (27 de noviembre de 1909 Knoxville, Tennessee-16 de mayo de 1955 Nueva York) fue un escritor y periodista estadounidense. Su novela autobiográfica Una muerte en la familia, aparecida en 1957, ganó el premio Pulitzer en 1958, y se la considera una obra maestra. Colaboró también en el cine, como crítico y como guionista de dos películas sobresalientes.

Agee nació en la calle 15 de Highland streets en Knoxville, Tennessee. Cuando tenía 6 años perdió a su padre, en un accidente automovilístico, suceso que pesará en su vida. Desde los siete años estudió junto con su hermana menor, Enma, en diversos internados. El más decisivo fue Saint Andrews School for Mountain Boys, que estaba localizado cerca de la casa de verano de su madre, a unos tres kilómetros de Sewanee (Tennessee).

El colegio estaba regido por la Orden Anglicana de la Santa Cruz, allí conoció, en 1919, al Padre Flye y su esposa que vivían en los terrenos del colegio y con los que mantendrá amistad hasta la muerte; la correspondencia entre ambos reveladora de la complejidad vital de Agee: Letters of James Agee to Father Flye (1962). Su madre se casó con el Padre Erskind Wright en 1924, contable del colegio St. Andrew’s y se trasladan a Rockland, Maine.

Agee acudió a la Escuela Superior en el curso 1924-1925; en el verano de ese año viajó a Europa con el padre Flye. A la vuelta, en otoño de 1925, entró en Phillips Exeter Academy, elitista internado en el estado de New Hampshire. Aquí fue nombrado, en 1927, editor del Exeter Monthly y presidente del Lantern Club (sociedad literaria).

En otoño de 1928 ingresó en la Universidad de Harvard; siendo su compañero de habitación Robert Saudek. Durante el verano de 1929 trabajó en los campos de trigo de Nebraska y Kansas. Con Robert Fitzgerald asistió a las clases de Robert Hillyer y I. A. Richards; y en 1930 y en 1931 fue nombrado editor jefe de Harvard Advocate. En la primavera de 1932, se graduó en Harvard.

Dada su confección de un número paródico de Time, y con los esfuerzos de Dwight Macdonald, fue contratado como reportero y después como escritor de plantilla de Fortune en el edificio Chrysler. En el verano de 1936 pasó ocho semanas en el estado de Alabama con el fotógrafo Walker Evans, entrevistando y fotografiando a familias de pequeños agricultores; fue una experiencia decisiva en su vida.

Se casó tres veces y tuvo cuatro hijos. En 1951, Agee sufrió su primer ataque al corazón, de otro moriría cuatro años después en un taxi de Nueva York. Después de licenciarse, escribió artículos para Fortune y para el Times. En 1934, publicó su primera colección de poemas, Permit Me Voyage, con un prólogo de Archibald Macleish.

Por otro lado, aunque Fortune nunca publicó los artículos que le encargó en su viaje de 1936, se recopilaron luego en un libro publicado en 1941, Elogiemos ahora a hombres famosos; ha sido seleccionado por la Biblioteca Pública de Nueva York como uno de los mejores libros del siglo XX.

La relación con el mundo del cine empieza en 1942, cuando se convierte en crítico cinematográfico, primero para la revista Time y después en The Nation: fue uno de los más influyentes y originales de los Estados Unidos. Las críticas de Agee se editaron tras su muerte con el título Agee on film.

En 1948 abandona Time y escribe, bajo contrato con Huntington Hartford, guiones de películas basados en The Blue Hotel y The Bride Comes to Yellow Sky de Stephen Crane. Escribe una narración para la película de Helen Levitt, The Quiet One. En ese año se estrena Knoxville Summer of 1915 para soprano y orquesta, con música de Samuel Barber y letra de Agee, donde canta Elenor Steber.

Destaca su guion para La reina de África, dirigida por John Huston. En 1954 escribe otro guion famoso, La noche del cazador, basado en la novela de Davis Grubb; fue dirigida por Charles Laughton.

En 1957 se publicó su segunda novela, Una muerte en la familia, basada en los sucesos que rodearon la muerte de su padre y que en 1958 recibió el premio Pulitzer de ficción, está considerada una de las grandes novelas del siglo XX en Estados Unidos]]. Fue llevada al teatro con éxito en 1960 y también se rodó una película (1963), ambas con el título de All the Way Home.

Durante su vida no tuvo gran reconocimiento público, pero su reputación literaria ha ido creciendo después de su muerte. Hoy está reunida su prosa en The Collected Short Prose of James Agee.

(Fuente: El Pais y Wikipedia)

TAL DÍA COMO HOY
El 13 de mayo de 1856 nacía Pedro Enrique Emerson, más conocido como Peter Henry Emerson, el padre de la forma moderna de entender la fotografía como arte a través de su teoría y práctica de la Naturalistic photography.
“La técnica fotográfica es perfecta y no necesita retoque… que es el proceso por el que una fotografía buena, mala o indiferente se convierte en un mal dibujo o pintura.”
Aunque nos gusta mas en su escrito The Death of Naturalistic Photography (La muerte de la fotografía natural) cuando afirma:
"Las limitaciones de la fotografía son tan grandes que, a pesar de que los resultados en ocasiones ofrecen cierto placer estético, el medio debe ocupar siempre el lugar más bajo ente las artes."
"Lo lamento profundamente, comparar fotografías con grandes obras de arte, y fotógrafos con grandes artistas, fue temerario y desconsiderado y mi castigo es tener que reconocerlo… En fin, me rindo ante los que dicen que la fotografía es un arte muy limitado. Lamento profundamente haber llegado a esta conclusión."
Os dejamos con un divertido artículo sobre su vida y peripecias: http://blogs.20minutos.es/trasdos/2014/01/30/peter-henry-emerson/

TAL DÍA COMO HOY

El 13 de mayo de 1856 nacía Pedro Enrique Emerson, más conocido como Peter Henry Emerson, el padre de la forma moderna de entender la fotografía como arte a través de su teoría y práctica de la Naturalistic photography.

“La técnica fotográfica es perfecta y no necesita retoque… que es el proceso por el que una fotografía buena, mala o indiferente se convierte en un mal dibujo o pintura.”

Aunque nos gusta mas en su escrito The Death of Naturalistic Photography (La muerte de la fotografía natural) cuando afirma:

"Las limitaciones de la fotografía son tan grandes que, a pesar de que los resultados en ocasiones ofrecen cierto placer estético, el medio debe ocupar siempre el lugar más bajo ente las artes."

"Lo lamento profundamente, comparar fotografías con grandes obras de arte, y fotógrafos con grandes artistas, fue temerario y desconsiderado y mi castigo es tener que reconocerlo… En fin, me rindo ante los que dicen que la fotografía es un arte muy limitado. Lamento profundamente haber llegado a esta conclusión."

Os dejamos con un divertido artículo sobre su vida y peripecias: http://blogs.20minutos.es/trasdos/2014/01/30/peter-henry-emerson/

LA YUGOSLAVIA CÓSMICA

Os presentamos una serie de monumentos majaras sudeslavos hecha por el fotógrafo belga Jan Kempenaers.

Spomenik significa literalmente monumento. Estas estructuras fueron comisionadas por el ex presidente yugoslavo Josip Broz Tito en la década de 1960 y 70 para conmemorar los lugares donde se llevaron a cabo las batallas de la Segunda Guerra Mundial (como Tjentište, Kozara y Kadinjača), o en los campos de concentración (como el de Jasenovac y los NEI). Fueron diseñados por diferentes escultores (Dušan Džamonja, Bakic Vojin, Zivkovic Miodrag, Jordania y Grabul Iskra, por nombrar algunos) y arquitectos (Bogdan Bogdanovic, Gradimir Medaković …), siendo de gran impacto visual para mostrar la confianza y la fuerza de la República Socialista. En la década de 1980 estos monumentos atrajeron a millones de visitantes por año, especialmente jóvenes para su “educación patriótica”. Después de que la República se disolviera en 1990, fueron abandonadas y sus significados simbólicos se han perdido para siempre.

De 2006 a 2009, Kempenaers viajó alrededor de la región de la ex-Yugoslavia (actualmente Croacia, Serbia, Eslovenia, Bosnia y Herzegovina, etc) con la ayuda de un mapa de monumentos de 1975, trayendo ante nuestros ojos una serie de imágenes melancólicas aún asombrosas. Sus fotos plantean una pregunta: ¿estos antiguos monumentos siguen existiendo como puras esculturas? Por un lado, su condición física deteriorada y la negligencia institucional reflejan una fractura social histórica. Y por otro lado, siguen siendo de gran belleza sin ningún tipo de significado simbólico. Tal vez hay formas que pueden trascender más allá del significado…

La web del autor: http://www.jankempenaers.info/works/1/

TAL DÍA COMO HOY

Es el cumpleaños de Maximilien Robespierre, aquí retratado con uno de los inventos más curiosos que precedieron a la fotografía en el mundo de la imagen: el fisionotrazo.

La Ilustración, con su obsesivo interés por registrar y sistematizar el conocimiento, trajo numerosas innovaciones y un desarrollo sin precedentes en el plano tecnológico que aun hoy es casi completamente ignorado. Autentico hijo de esta época es el fisionotrazo, inventado por Guilles-Louis Chrétien en 1786; predecesor de la fotografía por su exactitud y literalidad, permitía la reducción al tamaño de miniatura con la inevitable mejora de resultado de retratos que de otro modo habrían requerido una maestría insólita reservada a unos pocos. Este instrumento permitía que operarios adiestrados pudieran ejecutar, sin tener una formación artística, unos grabados de primer orden.

Haremos una descripción de cuáles son las fases del fisionotrazo y de las técnicas aplicadas:

1.- Con una fuente de luz, se arroja la sombra de la cabeza y parte del busto del modelo colocado de perfil sobre un papel colocado en un bastidor en vertical. El modelo se interpone entre el papel que sirve de pantalla y la fuente de luz. El retratista, en el extremo de esta cadena, tiene frente a él la sombra que se recorta nítidamente en la transparencia del papel.

2.- El retratista, provisto de instrumentos de dibujo, barra de grafito o tiza hace el seguimiento del contorno exacto de la sombra proyectada sobre el papel. El dibujo ha de ser claro, nítido y limpio, con gran definición.

3.-El papel es descolgado del bastidor con el dibujo del contorno de la cabeza casi a tamaño natural. Ahora es preciso rellenar el vacío que encierra el perímetro, marcando los rasgos del modelo. El modelo, en posición sedente, de perfil y con la mirada fija en un punto señalado del interior del taller, ofrece a la mirada del retratista su fisonomía que inicia su trabajo a continuación, dibujando los ojos, las cejas, pestañas y párpados, el lóbulo de la oreja, la línea de crecimiento del cabello, las ondulaciones del peinado, los pómulos y mejillas, los labios y comisuras de la boca, para acabar con los adornos y vestido.

4.-Tras esta fase, el modelo se puede marchar. El artista ha tomado buena nota de cuantos elementos le son necesarios para asegurar el parecido. El papel con el dibujo se vuelve a colocar en vertical, pero esta vez no sobre el bastidor que permitía la transparencia sino apoyado sobre una base rígida.

5.-Esta fase de dibujo corresponde a una persona que no necesariamente ha de ser el grabador. Las tareas eran así repartidas. En el taller de Chrétien, asociado a en un principio a Quenedey y después a Fouquet y Furnier, a estos últimos le correspondía esta fase de trabajo. A partir de ahora entraba en escena el grabador, es decir Chrétien.

6.-A continuación se colocaba el pantógrafo de varillas de madera delante del dibujo y el operador hacia la reducción a la escala deseada. El pantógrafo, cuya invención se adjudica a Arquímedes hacia el año 250 a.c., es un ingenioso mecanismo articulado basado en un sistema de paralelogramos capaces de desplazarse en un plano horizontal, de tal manera que se pueden mover respecto a un punto fijo llamado pivote, y que ello permitirá copiar el perfil y reproducirlo a otra escala; para ello se varía la distancia entre puntos de articulación, conservando siempre la condición de paralelismo entre las varillas, dos a dos. Para trasladar el dibujo a otra zona del papel se fija el pivote y se desplaza el punto de copiado sobre el contorno original, donde un agudo estilete situado en el punto de referencia reproduce el perfil.

7.- Una vez obtenida la reducción del dibujo en un círculo de 5 a 6 cm. de diámetro, se traslada a una placa de cobre protegida por una fina capa de polvo de resina. Para este procedimiento de traslado del dibujo reducido, se usa la perforación del papel, mediante una fina aguja siguiendo todo el contorno del perfil; frente, nariz, labios, mentón…, para pasar después a los rasgos del interior más determinantes; línea de cejas, arranque del cabello, párpados, aleta de nariz, labios y comisuras, orejas, complementos del vestido… hasta alcanzar el metal y dejar vía libre a la acción del mordiente. Este contorno de puntitos sobre el metal apenas resulta perceptible en los fisionotrazos, solo con la ayuda de una lente de aumento es posible visualizarlos. Según se aplica más o menos cantidad de polvo de resina, saldrán unos tonos más oscuros o más claros. La resina ha sido previamente adherida al cobre al ser sometida al calor de una llama. El grabador introduce el metal en el aguafuerte, la parte que esta menos cubierta de resina es mordida con mayor intensidad, mientras que el resto se ve afectado parcialmente.

Esta operación exigía una gran destreza y práctica. El éxito del resultado radicaba en la experiencia, en un duro aprendizaje al lado de un maestro.

Una vez eliminado la resina protectora, la plancha era trabajada al buril para ultimar detalles y sacar expresión; entintada y pasada por el tórculo, que traspasaba con tinta el perfial al papel humedecido. Esta primera impresión no era la definitiva, eran pruebas de estado. El operador volvía a enmendar partes no resueltas a satisfacción, tapando o descubriendo la superficie de resinas, retocando a la punta seca y volviendo a introducir la plancha en la cubeta del mordiente, controlando el tiempo de inmersión, hasta conseguir el retrato definitivo. Las calidades que se conseguían eran extraordinarias, desde el negro intenso a los suaves agrisados.

Un interesante blog sobre el fisionotrazo: http://colecciondeminiaturas.blogspot.com.es/2009/05/el-delicado-arte-de-los-fisionotrazos.html

POP-ART: la Historia del Arte en una canción

TAL DÍA COMO HOY

El 2 de mayo de 1945 se tomaba una de las fotografías más icónicas de la Historia: ‪Alzando una bandera sobre el Reichstag‬ de Yevgueni Jaldéi. Como se puede comprobar se hicieron varias tomas, aunque la publicada oficialmente es la del extremo superior. Se aprecian las claras diferencias de revelado y retoque con la original, colocada justo abajo.

LA FOTO

La misma muestra a soldados del Ejército Rojo alzando la bandera de la Unión Soviética sobre el Reichstag alemán, completamente en ruinas, en la batalla de Berlín durante el fin de la Segunda Guerra Mundial. La foto, que significaba la toma de uno de los edificios nazis más emblemáticos, fue extremadamente popular, siendo reimpresa en cientos de publicaciones con fines propagandísticos. Llegó a ser considerada en todo el mundo como una de las imágenes más importantes y reconocibles de la guerra, representando el fin de la Alemania nazi.

El soldado que sostiene la bandera fue Melitón Kantaria.

La foto es la reconstrucción de la toma del Reichstag, efectuada el 30 de abril, pero que había sido pasado por alto por las cámaras soviéticas. La famosa imagen sigue hoy en día rodeada de múltiples leyendas, como los posteriores retoques fotográficos que sufrió, identidad de los soldados y el origen de la bandera que aparece.

La batalla de Berlín fue la última ofensiva y operación militar importante del teatro europeo de la Segunda Guerra Mundial. A partir del 16 de enero de 1945, el Ejército Rojo quebró el frente alemán, como resultado de la Ofensiva del Oder-Vístula y avanzaron hacia el oeste a través de Alemania, tan rápido como 30-40 kilómetros al día. La batalla de Berlín duró desde finales de 20 de abril de 1945 hasta la mañana del 2 de mayo y fue una de las batallas más sangrientas de la historia. Como Berlín cayó a manos del Ejército Rojo, el fotógrafo Yevgueni Jaldéi reunió a algunos soldados con la esperanza de conseguir una fotografía como la tomada por los estadounidenses en Iwo Jima, Japón.

Tras el revelado, en la agencia en Moscú, los soviéticos se dan cuenta de que un soldado tiene varios relojes en sus muñecas, prueba del saqueo de los soldados soviéticos. Los relojes son eliminados de la muñeca del soldado en el cuarto oscuro manipulándose la imagen. Del mismo modo se añade humo en el fondo para darle más dramatismo. Algunas teorías, sin embargo, afirman que el soldado en cuestión llevaba un reloj y una brújula de mano. Aunque la práctica de llevar un brújula y un reloj era común en los soldados del Ejército rojo, la brújula podía ser fácilmente confundida en la imagen por un reloj, al menos por ojos civiles.

EL FOTÓGRAFO

Yevgueni Anánievich Jaldéi (o Khaldéi) (en ruso Евгений Ананьевич Халдей; n. 23 de marzo de 1917 en Donetsk, Ucrania, Unión Soviética; f. 6 de octubre de 1997 en Moscú) fue un fotógrafo ruso, mundialmente famoso gracias a sus instantáneas de la Segunda Guerra Mundial y del Proceso de Núremberg. Su foto más célebre fue la del soldado soviético alzando la bandera con la hoz y el martillo sobre el edificio del Reichstag.

Yevgueni Jaldéi nació en una familia judía en Ucrania. A los diecinueve años comenzó a trabajar con la agencia de prensa soviética TASS, donde permaneció hasta los años setenta. Luego trabajaría ocasionalmente para TASS y Pravda. Jaldéi alcanzó reconocimiento internacional a partir de la caída de la URSS, en 1991.

EL SOLDADO

Melitón Varlámovich Kantaria (georgiano: მელიტონ ქანთარია, ruso: Мелитон Варламович Кантария) nació el 5 de octubre de 1920 en Dzhvari (Джвари), Georgia, y falleció el 27 de diciembre de 1993 en Moscú (Rusia). Fue un sargento soviético de origen georgiano que hizo famoso la propaganda soviética por colocar la bandera roja de la URSS sobre el Edificio del Reichstag en Berlín, significando la finalización de la Segunda Guerra Mundial.

Hijo de un campesino del Cáucaso, trabajó en un koljós hasta su reclutamiento en 1940 en el Ejército Rojo.

En la Segunda Guerra Mundial estuvo en el regimiento 176 de la 150º División de Infantería, del III Ejército en el Frente Bielorruso. En 1941 fue herido gravemente en las luchas callejeras en Smolensk. Llegó a alcanzar el grado de sargento.

La historia soviética afirma que en la tarde el 30 de abril de 1945, Melitón Kantaria y Mijaíl Yegórov colocaron la bandera de la victoria en el tejado del Edificio del Reichstag en Berlín. En principio, a las 21:30 fue colocada en el segundo piso. El mástil de la bandera fue introducido en un agujero que había en uno de los caballos de bronce producidos por un disparo. Toda vez que en esa ubicación solo era visible desde un lado del edificio, Kantaria y Yegórov treparon hasta el punto más alto de la cúpula del humeante edificio y colocaron allí la bandera, a las 22:00 horas.

Otras versiones afirman a partir de 1995, que la colocación de la bandera fue por la noche del 30 de abril, por parte del soldado Mijaíl Minin. Por razones propagandísticas, un soldado soviético de origen georgiano y otro de origen ruso fueron seleccionados como protagonistas de este hecho. La fotografía que sirvió para documentar el hecho, afirman que fue realizada dos días después, el 2 de mayo.

LA BANDERA

El 9 de mayo de 1945 la bandera fue entregada al estado mayor de la División 150 y en vez de ella apareció otra bandera sobre el Reichstag. El 20 de junio de 1945 la bandera, llamada ahora Bandera de la Victoria, fue trasladada a Moscú en un avión de carga, y desde ese tiempo está en el Museo Central de Fuerzas Armadas. La bandera se convirtió en una reliquia que representa la Gran Guerra Patriótica.